Towards the Application of Physical Sound Memory
An interview with Takuma Kuragaki (interview and text by Narushi Hosoda, translation by Cathy Fishman)

Electronic sound artist Takuma Kuragaki was born in 1968. Since he began his musical activity in the 1990s, he has presented his creations not only in live music venues, but also in museums and galleries. In 2009, Kuragaki earned an award for excellence in a contest featured in "Sound & Recording Magazine" in which entrants produced works incorporating material field-recorded by Ryuichi Sakamoto in the Arctic Circle. In 2017, Kuragaki took part in the 3-CD compilation album "Prix Presque Rien Prize," made up of entries in the international contest Prix Presque Rien--a competition of outstanding works making use of French composer Luc Ferrari's sound archives. The newly released CD "BOTTOMLESS / BLANK" is Kuragaki's first full album.

Drawing inspiration from the activities and creations of Shusaku Arakawa and Madeline Gins, this album--with its key words ''bottomless'' and ''blank''--aims to have listeners become ''users'' who incorporate into their daily lives the experiences gained through the works. In contrast to conventional works of music, which stir up listeners' emotions and provide each individual with their own unique experience, this album--in which radically curtailed minimal sounds are placed sometimes regularly and sometimes at unpredictable intervals--will likely bring listeners the reality of time segmentation. This experience will surely be recalled at unexpected moments in daily life, which is overlaid with a network of various rhythms. How it is applied in these situations is left to each listener.

Q: Tell me about the album title's two key words, ''bottomless'' and ''blank.''
Kuragaki: With both words, I'm taking the titles of works by Shusaku Arakawa and Madeline Gins as motifs. To summarize their work in my own way, ''bottomless'' means something endless and timeless, while ''blank'' refers to a sort of vessel for confirming and receiving this timelessness. In this album, I've expressed these ideas by turning them into music.

Q: How did you produce these pieces?
Kuragaki: I created them using the software Renoise, in which an edit display similar to an Excel chart scrolls vertically. I place sounds on a grid that resembles the squares of a Go board. While thinking back on ''bottomless'' and ''blank'' experiences in my own daily life, I basically place the sounds in a way that will trigger these sorts of experiences in the listener. I might attempt to trace the physical rhythm of going up and down stairs, for example.

Q: So one reason for your very minimal style is to make listeners aware of physical rhythms?
Kuragaki: Yes. I wanted to do my utmost to avoid using so-called musical syntaxes and systems. You could say I created works in which sound remains as a physical sensation, rather than as something that makes an appeal to listeners' emotions. So I used non-instrumental short sounds similar to electronic sound errors. Of course, in terms of error sounds and minimal styles, if you go back in time there was glitch music like Oval (Markus Popp) and the so-called ''onkyo'' musicians, and I liked and often listened to that music at the time (in the 1990s). But this album was influenced more strongly by members of Wandelweiser, like Michael Pisaro and Jürg Frey.

Q: Tell me about the four tracks titled ''BOTTOMLESS.''
Kuragaki: ''First BOTTOMLESS,'' simply put, refers to the fact that it's the first piece. Then ''Count BOTTOMLESS'' has a little rule--''three sounds each.'' Three sounds form one group, and the intervals between the sounds in a group are the same. But the timing of the start of the next group is unpredictable. So it's a piece that meets the listener's expectations at times and betrays them at others. As the name suggests, I created ''Prototype BOTTOMLESS'' as a model for the series: I prepared and arranged several short patterns that would make the listener feel the bottomless experience of ''will this keep going on this way forever?'' ''About BOTTOMLESS'' is the piece I created in the way I felt was easiest to understand, so that the listener would become aware of the bottomless experience prior to verbalization.

Q: How about the two tracks titled ''BLANK''?
Kuragaki: In the BLANK series, I make the silent parts the theme in a simple way. Compared to BOTTOMLESS, I think the sounds in BLANK meet listeners' expectations, since I created the pieces in such a way that it's easier for listeners to ''enter'' the blank, soundless areas than the areas with sound. I think the reason listeners can determine that music meets or betrays their expectations is that there are parts without sound. To increase the density of experience that allows that sort of judgement, in ''BLANK No. 2'' I used more sound arrangements that make the listener feel like ''I already know this,'' and make it possible to focus more on the parts without sound, than I did in ''BLANK No. 1.''

Q: Is the bonus track, ''Landing RME - Live at Ftarri 2017,'' a live recording?
Kuragaki: No, this refers to a recorded sound source that I used in a live performance. In my performances I often play back previously created sound data. This bonus track is a slightly revised version of sound data that I used in a performance in 2017. Incidentally, on this track only, I used PlayerPro software, not Renoise.

Q: Rather than musical ''entertainment,'' this is a stoical work that purely makes the listener aware of division points in time. What made you think of expressing this through sound?
Kuragaki: Needless to say, music is very appealing to me. Although it doesn't last in concrete form, its approach to sensation is quite strong. Compared to other forms of expression, I feel that sonic experience as a momentary phenomenon has the characteristic of triggering feelings in a powerful way. In that sense, the listener as a ''user'' might be able to repeatedly apply their experience of a work of music in their daily life. Conversely, it seems to me that when you move towards performance using media other than sound, with the idea of getting away from music, you often end up actually approaching something musical.


身体的な音の記憶の活用に向けて　̶̶　倉垣卓麿　インタビュー (取材・文＝細田成嗣）

電子音響作家の倉垣卓麿は1968年生まれ、90年代より音楽活動を開始し、ライヴハウスのほか美術館やギャラリーでも作品を発表。2009 年に『サウンド＆レコーディング・マガジン』誌が募集した、坂本龍一が北極圏でフィールド録音した素材を用いた楽曲制作のコンテストで優秀賞を獲得している。2017年、フランスの作曲家リュック・フェラーリのサウンド・アーカイヴを使用した作品の出来を競う国際コンクール「プレスク・リヤン賞 (prix Presque Rien)」の応募作を収録した三枚組のコンピレーション・アルバム『prix Presque Rien prize』に参加。このたびリリースされた『BOTTOMLESS / BLANK』は彼にとって最初のフル・アルバムとなる。

荒川修作 + マドリン・ギンズの活動および作品から着想を得て制作されたという本盤は、「BOTTOMLESS＝底なし」と「BLANK＝空白」がキーワードとして掲げられており、聴き手がユーザーとなって作品を通した経験を日常生活で活用することが目されている。通常の音楽作品が聴き手の感情を揺さぶり、十人十色の経験をもたらすことと比するならば、極めてラディカルに切り詰められたミニマルな音響がときに規則的に、ときに予期し得ない間隔を空けて配置された本盤は、時間を分割する一つの事実性を聴き手にもたらすことだろう。その経験はおそらく、さまざまなリズムが張り巡らされた日常生活を送るなかでふとした瞬間に想起されるに違いない。そうした場面でどのように活用するのかは、それぞれの聴き手に委ねられている。

--アルバム・タイトルの「BOTTOMLESS」と「BLANK」という二つのキーワードについて教えてください。
倉垣　どちらのワードも荒川修作 + マドリン・ギンズの作品名をモチーフにしています。彼らの仕事を僕なりに一言で要約すると、「BOTTOMLESS＝底なし」は終わりがない永遠性のようなものを意味していて、「BLANK＝空白」はそうした永遠性を認識したり感受したりするための容器のようなものを意味しています。そうしたことを音楽に置き換えて表現したのが今回の作品です。

--各楽曲はどのように制作されたのでしょうか？
倉垣　Renoiseというソフトウェアを使用して制作しました。エクセルの表のような編集画面が縦にスクロールするソフトで、碁盤の目のようなグリッドに音を置いていくんですが、自分の日常生活における「BOTTOMLESS」や「BLANK」の経験を思い返しつつ、そうした経験を聴き手に誘発するような配置をしていくといった感じです。たとえば階段を昇り降りする際の身体的なリズムをトレースしようとしたりしています。

--非常にミニマルな作風は、身体的なリズムを聴き手に知覚させるためでもあるんですね。
倉垣　はい。いわゆる音楽的な語法やシステムは極力使わないようにしようと思っていました。聴き手の感情に訴えかけるのではなくて、身体的な感覚として音が残るような作品にしたと言えばいいでしょうか。それで非器楽的な、電子音のエラーのような短い音を使用しています。もちろんエラー音やミニマルな作風自体は、遡ればオヴァル (マーカス・ポップ) をはじめとしたグリッチ・ミュージックや音響系と呼ばれる面々がいますし、そういった音楽は90年代当時の僕も好きでよく聴いていました。ただ、今回の作品に関しては、マイケル・ピサロやユルク・フレイなどヴァンデルヴァイザー楽派から受けた影響の方が大きいです。

--「BOTTOMLESS」と題された四つのトラックについて教えてください。
倉垣　「First BOTTOMLESS」は端的に一曲目ということでもあるんですが、「Count BOTTOMLESS」には「三回ずつ音が鳴る」というちょっとしたルールがあります。三つの音が 一つのグループになっていて、それぞれ同じ間隔で鳴るんですね。ただ、次のグループが始まるタイミングは予測できないようになっている。そうした、聴き手の期待に寄り添ったり裏切ったりする楽曲なんです。「Prototype BOTTOMLESS」はその名の通りシリーズの原型として制作していて、「このままずっと続いていくのかな」という底なしの経験を聴き手が感じるような短いパターンをいくつか用意して、それを並べています。「About BOTTOMLESS」は、底なしの経験について言語化する前に気づくために、僕としては一番わかりやすく表現した楽曲です。

--「BLANK」と題された二つのトラックについて教えてください。
倉垣　「BLANK」シリーズはシンプルに無音部分をテーマにしていて、「BOTTOMLESS」に比べると想像通りに音が鳴るようになっていると思います。というのも音が鳴ることよりも、音が鳴らない空白地帯に聴き手が入っていきやすいように作っているんです。音楽が聴き手にとって想像通りに鳴ったり、予想を裏切ったりするのは、無音部分があるから判断できることだと思うんですよね。そういった判断をするための経験の密度をあげるために、「BLANK No. 1」よりも「BLANK No. 2」の方が聴き手が「すでに知っている」と感じるような音の並びを多く使用し、より無音部分に注目できるようにしているんです。

--ボーナストラックの「Landing RME ~ Live at Ftarri 2017」はライヴ録音なのでしょうか？
倉垣　いや、ライヴで使用した音源という意味ですね。僕はライヴをやる際にあらかじめ作成した音源データを流すことが多いんですが、今回のボーナストラックは2017 年のライヴで使用した音源データをもとに若干修正を施したものなんです。ちなみにこのトラックだけ、Renoise ではなく PlayerPro というソフトウェアを使用しています。

--いわゆる音楽的な快楽よりも、時間の分割点を純粋に知覚させるようなストイックな作品ですが、なぜ音で表現しようと考えたのでしょうか？
倉垣　やっぱり僕にとって音楽はとても魅力的なんです。形には残らないけれども、感覚へのアプローチがとても強い。他の表現形態と比べると、音の経験は瞬間的な現象として感覚を強く刺激するという特徴があるように感じます。すると作品の経験を聴き手がいわばユーザーとして、日常生活のなかで繰り返し活用することもできるかもしれない。逆に音楽から離れようとして音以外のパフォーマンスへと向かうと、かえって音楽的なものに近づいてしまうことが多いように思うんです。